Villa Contemporanea è lieta di presentare Microbiota. Un ampliamento dell’esperienza sensoriale, seconda personale di Elisa Cella, artista di formazione matematica, da sempre affascinata dalla scienza e dalla
biologia cellulare.

L’artista, nota per la sua personalissima ricerca pittorica circolare, torna in galleria con un nuovo progetto installativo nato dallo studio di precise forme biologiche che dialogano con l’architettura della galleria. Protagoniste dello spazio sono, infatti, le sue sculture in metallo che riproducono gli organismi, il loro eterno rigenerarsi, la loro infinita bellezza, al di là della loro funzione specifica.

In ambito scientifico, quando si parla di microbiota si fa riferimento alla totalità dei singoli microrganismi - batteri, funghi, archeobatteri e protozoi - e dei virus che vivono e colonizzano uno specifico ambiente in un determinato tempo. In maniera analoga, le forme scultoree di Elisa si impossessano dello spazio espositivo e si riproducono generando una popolazione di forme tanto affascinanti quanto misteriose.

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TEATRO ALLA SCALA. DON GIOVANNI

(Vittoria Licari) È stato riproposto alla Scala lo spettacolo che inaugurò la stagione 2011/2012, Don Giovanni, di Wolfgang Amadeus Mozart e Lorenzo da Ponte, regista Robert Carsen, scene di Michael Levine, costumi di Brigitte Reiffentuel, luci dello stesso Carsen e di Peter van Praet, coreografia di Philippe Giraudeau.

Nella visione di Carsen, con il plateale ingresso sulle prime note della Ouverture e lo strappo del sipario, Don Giovanni si presenta subito come regista della propria storia e porta il pubblico direttamente al suo interno, coinvolgendolo attraverso il fondale a specchio e, in pratica, obbligandolo a riflettersi nel suo punto di vista, nonché a riflettere su di esso.
Quanto al ribaltamento dei valori tradizionalmente condivisi attuato dal protagonista, Carsen lo ribadisce nel finale in cui, al termine della “licenza”, i cinque personaggi che hanno appena moraleggiato sul “fin di chi fa mal” sprofondano nell’inferno da cui, invece, Don Giovanni riemerge inaspettatamente alle loro spalle, fresco come una rosa.

La prima scena di questo allestimento evidenzia un elemento che rimane solitamente sottotraccia, e cioè la doppia natura di Donna Anna, che mente a sé stessa, al padre, e poi anche al fidanzato Don Ottavio, ma che poi, costretta dalle circostanze e dalle convenzioni, decide di mettersi contro Don Giovanni in quanto assassino di suo padre. E forse la sua decisione dipende davvero solo dal fatto che le convenienze sociali glielo impongono: in fondo, Don Giovanni potrebbe averle fatto un favore, liberandola da una figura paterna così “ingombrante”.

A tale proposito, viene da pensare alla situazione di un’altra donna appartenente al mondo letterario spagnolo, la Leonora della Fuerza del sino di Ángel de Saavedra, a cui Giuseppe Verdi fece riferimento per La forza del destino: pur in una situazione molto diversa riguardo ai sentimenti che intercorrono fra i personaggi, l’uccisione del padre autoritario da parte dell’amante scatena nella figlia un senso di colpa che, letto in chiave sociopsicologica, sembrerebbe indotto dalle circostanze esterne più che dal dolore per la perdita del genitore. In realtà, il vero lutto di Leonora sta nell’aver perso l’innamorato, con il quale – in quanto uccisore del padre - non potrà più nemmeno fuggire. Due melodrammi diversissimi, ma che si aprono mettendo in scena circostanze quasi analoghe.

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(Vittoria Lìcari) A dodici anni dal debutto al Covent Garden è giunto a Milano l’allestimento di Adriana Lecouvreur creato per le scene londinesi nel 2010 da David McVicar, già in passato ospite della Scala, nel 2014 con una magnifica edizione di Les Troyens di Hector Berlioz e nel 2019 con I masnadieri di Verdi, e, ancora pochi mesi fa, con quell’affascinante spettacolo che è stata La Calisto di Cavalli. McVicar è senza dubbio uno dei maggiori registi d’opera attualmente in attività, ed è proprio il mondo teatrale che viene celebrato in questa splendida regia – ripresa da Justin Way, assistente di McVicar – con le scene di Charles Edwards, che ci mostrano da diverse prospettive il palcoscenico della Comédie Française in cui spicca il busto di Molière, i bellissimi costumi d’epoca di Brigitte Reiffenstuel, le luci di Adam Silverman e le coreografie di Andrew George per il balletto del terzo atto.

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